Ya en los primeros años del cine comenzaron a patentarse sistemas que sincronizaban la acción de la pantalla con el sonido grabado en discos. Estas pruebas se siguieron realizando a lo largo de todo el período mudo, pero la cinta que está considerada como la primera película sonora de la Historia es "El cantor de jazz", estrenada el 6 de octubre de 1927 y dirigida por Alan Crosland.
A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Conatenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos. el protagonista, Al Jolson miraba a la cámara y pronunciaba la primera linea de díalogo de la Historia del Cine: " ¡ Esperen un minuto: aún no han oído nada!". Despúes de esa frase nada fue igual y el cine comenzó a ser algo del pasado. Despúes de este éxito sin precedentes de la Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. Ficha tecnica
En los años 30 cuando ya ha comenzado el cine sonoro se comienza con una mayor profesionalización de la música del cine. Aqui destaca la película King kong- 1933 cuando Max Steiner demostró lo que se podía llegar hacer con una partidura original sincronizada con las imagenes.
Ficha Tecnica: Director: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack Producción: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack Guión: Merian C. Cooper, James Ashmore Creelman, Ruth Rose y Edgar Wallace. Música: Max Steiner. Fotografia: Edward Linden, J.O Taylor y Vernon L. Walker. Reparto: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher, Sam Hardy, Noble Johnson, Steve Clemente y James Flavin.
Sinopsis: Trata sobre el hallazgo de King Kong, un simio gigante en una isla prehistórica perdida y sobre cómo fue capturado y llevado a la civilización contra su voluntad.
Datos: En 1932, un año antes del estreno de la película, Delos W. Lovelace publicó una novelización del guión de king kong con algunas escenas que no están presentes en la película. Kin Kong fue estrenada por primera vez en Nueva York el 2 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall.
Durante este periodo existieron bandas sonoras que marcaron un precedente en la historia del Cine y un hito importante y reconocible.
El Nacimiento de una Nación
Como ya he mencionado en 1914 en adelante se hacen peliculas con un fondo musical exclusivamente creado para la plícula marcando un gran paso para la creación de las bandas sonoras como es el caso de El Nacimiento de una Nación ( The Birth of a Nation - 1915) como compositor a J.K Briel.
El Nacimiento de una Nación no es una propuesta convencional de cine mudo con acompañamiento musical, sino un conjunto audiovisual que funde música tocada en directo, bases rítmicas, loops, sintetizadores y fragmentos de discos antiguos, con la impactante película de Griffith la cual, en el año 1915, definió casi en solitarios el futuro lenguaje cinematográfico. Se presenta una reconstrucción del viejo sur americano, acompañada por un quinteto tocando en directo y complementada por un collage de elementos pregrabados que traza, a su vez la historia de la música tradicional norteamericana, creando una provocativa dialéctica entre ambos. Toda la música que acompañará a la película es original de DAN KAPLAN.
Ficha Tecnica:
Dirección: D.W Griffith Producción: D.W Griffith Guión: Thomas F. Dixon Jr. Música: Joseph karl Breil, D.W Griffith Fotografia: G.W Bitzer. Reparto Lillian Gish, Mae Marsh, Henry B. Walthall, Miriam Cooper, Mary Alden, Ralph Lewis, George Siegmann, Walter Long, Robert Harron, Wallace Reid y Joseph Henabery.
En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un espectáculo dirigido a un extenso sector de población, como una industria que podía aportar grandes beneficios económicos. Por tanto, hacer la película atractiva al público era fundamental. En Estados Unidos interesaba era que la cinta, de factura impecable, contara una historia creíble, atractiva y entretenida para el público. Esto comenzó a interesar a las productoras, que rápidamente se pusieron manos a la obra con sus inversiones.
En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en la costa Este, en torno a Nueva York. Pero el clima de aquella zona, lluvioso y con largos inviernos hacía perder muchas horas de rodaje de exteriores, por lo que los cineastas se trasladaron al otro extremo del país, a Hollywood.
La historia de la meca del cine parte de 1903, cuanto una pareja tejana se establecieron en la periferia de los Ángeles, en un terreno plagado de acebos. De ahí vendría el nombre, que significa “bosque de acebos”. Cuatro meses después llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago y en 1906 ya estaban allí los grandes del cine. Durante las tres primeras décadas del cine, hasta los años 30, se comenzaron a forjar aspectos que configurarían la personalidad del cine Hollywoodiense. El star system o el cine de géneros respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas. El cine de los estudios tenía en el star system uno de sus pilares fundamentales: era necesario crear estrellas para atraer al público a las salas. Y la creación de estrellas se apoyaba en una importante campaña publicitaria a través de diferentes vehículos de comunicación: revistas, club de fans, etc
Además, en el cine norteamericano de los años treinta se empezaron a forjar diferentes géneros: el musical, el cine negro, el cine de aventuras, el cine de terror, etc. Los géneros constituían entidades perfectamente definidas por la industria y reconocidas por el público masivo. En este sistema ideal cada película era producida según un patrón genérico reconocible, mostraba explícitamente las estructuras básicas comúnmente identificadas con el género. En consonancia con la simplicidad de planteamientos que demandaba el público norteamericano, se pretendía que reconociera cada película como perteneciente a un género determinado y la interpretara adecuadamente.
El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El Cantor de Jazz, de Alan Crossland. Warner Bros hizo esta película cuando estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras. Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir guiones interesantes.
A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood, pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.
Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las actividades cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y exhibición), se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de exhibición. La aparición del sonoro también supuso la necesidad de cambiar la estructura financiera de Hollywood. Con la aparición del sonoro el control de la industria se pierde definitivamente para las empresas puramente cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria electrónica. La llegada del sonido también potenció la importancia de los guionistas en la industria del cine, quienes hasta entonces no habían tenido demasiada importancia. Así llegaron a Hollywood muchos periodistas, escritores y dramaturgos (los hermanos Mankiewicz, Charles McArthur, Ben Hecht, etc) de la Costa Este de los EE.UU. y también de Europa, atraídos por la enorme oferta de trabajo que representaba escribir para la industria cinematográfica.
La llegada del sonoro supuso el despegue definitivo de la industria de Hollywood como hegemón mundial en el ámbito de la cinematografía. A partir de este momento se convertiría en la referencia para todos los profesionales del cine. Actores, directores o productores iniciados en sus países de origen respectivos en el mundo del celuloide tendrían como destino la industria de Hollywwod, bien por medrar en sus carreras profesionales, bien porque las circunstancias sociopolíticas de Europa les obligaba a ello (la Segunda Guerra Mundial fue causa de una gran diáspora de personalidades del cine).
En 1940 gano la pelicula Tin Pan Alley con Alferd Newman, Artie Shaw con ¡Al fin solos!, Victor Young con Adelante - mi amor, Georgie Stoll y Roger Edens con Armonías de juventud, Erich Wolfgang Korngold con El halcón del mar, Anthony Collins con Irene, Charles Previn con Princesita, Aaron Copland con Our Town y Cy Feuer con Hit Parade of 1941.
Director: Walter Lang Intérpretes: Alice Faye, Betty Grable, Jack Oakie, John Payne, Allen Jenkins, Esther Ralston Título en VO: Tin Pan Alley País: USA Año: 1940. Duración: 90 min. Clasificación: Todo público Género: Musical Color o en B/N: Blanco y Negro Guión: Robert Ellis, Helen Logan Fotografía: Leon Shamroy Música: Alfred Newman
La ganadora del Oscar en 1939 fue la pelìcula La Diligencia (como compositores Richard Hageman, Frank Harlin, Jhon Leipold y Leo Shuken) sus contricantes fueron Alfred Newman con Esmeralda -la zíngara, Roger Edens y George E. Stoll con Hijos de la farándula, Lou Forbes con Intermezzo, Dimitri Tiomkin con Mr. Smith Goes to Washington, entre otros.
Título Original: Stagecoach Director: John Ford Guión: Dudley Nichols / Ben Hecht / Ernest Haycox (Historia) Música: Gerard Carbonara, Louis Gruenberg, Richard Hageman, W. Franke Harling, John Leipold, Leo Shuken Fotografia: Bert Glennon Intérpretes: Claire Trevor (Dallas) John Wayne (Ringo Kid) Andy Devine (Buck) John Carradine (Hatfield) Thomas Mitchell (Doc Boone) Louise Platt (Lucy Mallory) George Bancroft (Curley)
Sinopsis:En la diligencia que cubre el trayecto entre las ciudades de Tonto y Lordsburg viajan la esposa embarazada de un oficial del Ejército, un médico borracho, un empedernido jugador, un comerciante de licores y una joven que ha sido expulsada de Tonto por las damas de la ciudad. Durante el trayecto se incorporan al grupo un banquero que lleva una gran maleta y un fugitivo de la justicia llamado Ringo Kid. Después de siete horas los viajeros ya se conocen y surge una especial simpatía entre Ringo y Dallas, la muchacha expulsada de Tonto. Cuando llegan al puesto de Apache Wells, el encargado, Chris, les dice que el indio Jerónimo merodea por los alrededores. Al mismo tiempo Lucy comienza a sentir los primeros síntomas del parto.
Crítica:Esta película es una película de personajes, todos bastante bien dibujados, donde se nos enseña que las cosas no son como parecen. Ese banquero respetable que al final resulta que no merecía serlo, ese caballero que resulta ser hipócrita comportándose como caballero en algunas situaciones y en otras no, ese médico borracho que a pesar del problema con la bebida resulta ser buena persona y ayuda cuando se le necesita, y ese presidiario y esa prostituta que deberían ser lo más bajo de la sociedad resultan mejores que cualquier personaje de la película. El film está lleno de pequeños detalles que reflejan la condición humana de manera muy natural y que enriquecen mucho la película: la venganza, las diferencias de clases sociales, el interés, el no saber decir que no, la cobardía... En las interpretaciones destaca el tema de las miradas, perfectamente comprensible ya que John Ford había dirigido muchos westerns mudos y, claro, en ese tipo de cine lo importante no es como se habla, sino la expresividad de los rostros y las miradas, lo que hereda esta película. Es una película bastante rica y compleja, aunque el defecto que tiene es que no te termina de llegar, no hace que te metas de lleno en la historia, despierta el interés pero no termina de llegar al espectador, o al menos en mi perspectiva, de todos modos es una muy buena película, un gran clásico del western y del cine en general.
En 1938 gana como mejor Banda Sonora la pelicula Alexander's Ragtime Band (compositor Alfred Newman) compitiendo con peliculas como: Franz Waxman con Los alegres vividores, Victor Baravalle con Carefree, Alfred Newman con Así nace una fantasía, Herbert Stothart con Enamorados, Morris Stoloff y Gregory Stone con Girls School, Max Steiner con Jezabel, Charles Previn y Frank Skinner con Mad About Music, Marvin Hatley con Se ha perdido una millonaria, Cy Feuer con Storm over bengal y Boris Morris con Tropic Holidays.
Ficha tecnica Dirigida por: Henry King Producido por: Darryl F. Zanuck Escrito por: Irving Berlin yRichard Sherman Reparto: Tyrone Power, Alice Faye,Don Ameche y Ethel Merman Música por: Irving Berlin Y Alfred Newman Cinematografía J. Peverell Marley Datos: Barbara McLean Distribuido por 20th Century Fox Fecha de salida: 16 de agosto 1938 (08/16/1938) Duración: 106 minutos País: Estados Unidos Idioma:Inglés
Sinopsis: Cuenta la historia de un niño de la sociedad que escandaliza a su familia por seguir una carrera en el ragtime.
Las cadenas de historia juntos 28 Irving Berlin canciones junto con antiguas canciones que se combinaron con otros nuevos escritos especialmente para la pelicula.
En 1937 la ganadora del Oscar fue Loca por la musica, "traducción en español", (One Hundred Men and a Girl: Cien hombres y una muchacha, Titulo Original) ganandole a Bernard Kaun- Almas en el Mar, Louis Silver- Chicago, Dimitri Tiomkin- Horizontes perdidos, Alfred Newman- Huracán sobre la isla, Hugo Riesenfeld- Make a Wish, Roy Webb- Olivia, C.Bakaleinikoff - Los Peligros de la Gloria, Alberto Colombo- Portia on Trial, Herbert Stothart - Primavera , Alfres Newman - El Prisionero de Zenda,Frank Churchill- Leigh Harline- Paul J.Smith- Snow white and the seven Dwarfs, Marvin Hatley- Stan y Oliver en el Oeste, Max Steiner - The life of Emile Zold. Esta fue el año que tuvo más nominados hasta el momento.
One Hundred Men and a Girl (Cien hombres y una muchacha)
Dirigida por Henry Koster Producido por Joe Pasternak - Charles R. Rogers Escrito por Charles Kenyon -Hanns Kräly -Bruce Manning -James Mulhauser Reparto Con: Deanna Durbin -Adolphe Menjou -Leopold Stokowski -Alice Brady -Eugene Pallette Música por: Leopold Stokowski-Charles Previn - Sam Coslow - Friedrich Hollaender - Franz Liszt - Mozart Wolfgang - Amadeus Mozart-Peter Ilyich Tchaikovsky -Giuseppe Verdi Cinematografía: Joseph A. Valentine Distribuido por: Universal Pictures Universal Pictures Duración: 85 minutesPaís: Estados Unidos Language: Inglés
Uno de los Cien hombres y una mujer es un 1937 comedia musical , escrita por Charles Kenyon , Bruce Manning y Mulhauser James en una historia de Hanns Kraly y dirigida por Henry Koster . Fue la primera de las dos películas con el afamado director de orquesta Leopold Stokowski , y también la película para la que Deanna Durbin es mejor recordada como una actriz y cantante en la película.
En 1936 gana el oscar como mejor Banda Sonora la Película El caballero Adverse (Anthony Adverse) por su banda sonora del compositor Leo Forstein superando a las nominadas: La carga de la brigada ligera (Max Steiner), El general murió al amanecer (Werner Janssen) , El jardín de Alá (Max Steiner) y Bajo el puente ( Nathaniel Shilkret).
Título original: Anthony Adverse
Género: Aventura, Drama, Romantica.
País:EEUU
Duración: 141 minutos
Dirección:Mervyn LeRoy - Michael Curtiz
Interpretación: Fredich March, Olivia de Havilland, Donald Woods, Anita Louise, Edmund Gwenn, Claude Rains, Louis Hayward, Gale Sondergaard, Steffi Duna, AkimTamiroff.
Sinopsis:
En la Italia pre-napoleónica, María Bonnyfeather está casada con Don Luis, un hombre enfermo y mucho mayor que ella. La crueldad y egoísmo de su esposo empuja a María a buscar consuelo en un amante. Pero Don Luis no está tan enfermo como aparenta y termina confrontando a María y su amante, a quien mata en un duelo de espada. María muere al dar a luz un niño, Anthony, fruto de su infidelidad. Don Luis lo entrega a un monasterio para su crianza como un huérfano desconocido. El monje a cargo de Anthony le pone como apellido Adverse (adversidad), por el triste pasado del niño. El destino hace que Anthony trabaje como aprendiz en un negocio de su abuelo John Bonnyfeather, quien termina descubriendo su identidad y lo adopta como su único heredero.
En 1934 fue la primera premiación para la mejor banda sonora a la pelicula : Una Noche de Amor - Louis Silvers. Cual además gano por mejor sonido (Jhon P. Livadary) y estuvo nominada a la mejor pelicula (One Nigth of Love), al mejor director (Victor Schertzinger), a la mejor actriz principal ( Grace moore) y el mejor montaje (Gene Milford)
Ficha Técnica:
Titulo original: One night of love Año: 1934 Duración: 84 min. País: Estados Unidos. Director: Victor Schertzinger Guíon: S.K. Lauren, James Gow, Edmund H. North (Historia: Charles Beahan, Dorothy Speare) Música: Gus Kahn, Victor Schertzinger Fotografia: Joseph Walker (B&W) Reparto: Grace Moore, Tullio Carminati, Lyle Talbot, Mona Barrie, Jessie Ralph, Luis Alberni, Andres de Segurola, Rosemary Glosz, Nydia Westman. Productora: Columbia Pictures Corporation Premios: 1934, 2 Oscars: Mejor banda sonora original, sonido. 6 nominaciones. Genero: Romance, Musical
Sinopsis:Mary quiere convertirse en cantante de ópera y empieza a recibir clases del maestro Guilio Monteverdi. Poco a poco ambos se irán enamorando.
En la entrega de los Oscar en 1935 la Película El delator ganá por mejor mejor Banda sonora ganandole a los otros nominados como por ejemplo Muntiny on the Bounty (Motin a bordo) y a Sueño de Amor Eterno. A demás la película gano por mejor película, El mejor actor (Victor McLaglen), La mejor dirección (Jhon Ford) y mejor guión adaptado (Dudley Nichols)
El Delator
Título original: The informer ( El Delator) Director: Jhon Ford País: EEUU Año: 1935 Reparto: Wallace Fors, Una O´Connor, Victor Mc Laglen, Donald Meek, Heather Angel, Preston Foster, Margot Grahame, J.M Kerrigan. Duración: 91 min Guión: Dudley Nichols Música: Max Steiner Fotografía: Joseph August Género: Drama, Suspense Productora/Distribuidora: RKO Premios: Oscars Nominaciones: Festival de Venecia, Oscars
Sinopsis: Nos sitúa en la Guerra Civil Irlandesa.de 1922.Trata sobre una traición entre amigos. En el agitado Dublín de los años veinte, Gypo Nolan, un tipo sin oficio ni beneficio, expulsado del Ejército de Liberación Irlandés y con tendencia a empinar el codo, sueña con viajar a Estados Unidos en compañía de su novia, Katie, que se gana la vida como prostituta. Animado por la recompensa que ofrecen las autoridades, Gypo delata el paradero del activista Frankie McPhillip, un viejo amigo y compañero...
Este es el año en el que surge la primera banda sonora original de la Historia del Cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinado pasajes de una película. En esta fecha, dos compositores Camille Saint- Saëns y Mikhail Ippolitov- Ivanov, crearon varias piezas para las películas El Asesinato del Duque de Guisa y Stenka Razin.
Mikhail Ippolitov- Ivanos
Este hecho, más que ser tomado como ejemplo, fue visto como algo original dentro de un mundo que no cesaba de evolucionar. Como se comentó anteriormente, durante el período mudo todas las salas tenían algún tipo de acompañamiento musical, desde un simple piano a una orquesta completa, y la música que se interpretaba eran melodías clásicas conocidad por el público. Con la llegada del sonoro desapareció esta acompañamiento en vivo y comienza a crearse música específica para las películas.
1914
En este tiempo seproducen cuatro películas con un fondo musical exclusivamente creado para la película. La italiana Cabiria cuenta con la participación del musico J.K Briel a quien se considera uno de los primeros profesionales en la producción de música especifica para el cine. Un año despúes, son diez las películas con fondo musical, cuatro realizadas por el citado Briel, que realiza la partitura de una emblematica y controvertida produccion. El Nacimiento de un Nación, es partir de estos momentos cuando se generalizan las composiciones de este tipo, contando cada estudio con sus propios compositores, situación que se consolidaría mas tarde.
Nacimiento de una Nación
Años 30 Con la llegada del sonoro al final de la década de los 20, las películas se caracterizan por una mayor profesionalización de la música del cine, con los nombres de Erich Komglod y Max Steiner como mayores representantes de esta época. La músisa sufría una metamorfosis, pasando de un acompañamiento constante a un emplo más selectivo para subrayar ciertos momentos,solo cuando lo exiguia el guión. Entre los productores, directores y músicos dominaba siempre el miedo a que les pregunteran de dónde salía la música,por eso no ponían nunca música, a menos que pudiera explicarse por la presencia de una orquesta, fonógrafo o radio. A partir de estos años, los grandes estudios tenían departamentos músicales completos, con una plantilla de compositores, adaptadores- arreglistas y directores de orquesta. Al principio, la música se ajustaba a la acción de modo bastante burdo y se tomaban de los archivos musicales. Esto cambiaría en 1933, con la película King Kong cuando Max Steiner demostró lo que se podía llegar hacer con una partidura original sincronizada con las imagenes.
La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento. Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero.
El cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895)
Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.
Una vez comprobado su potencial económico, el cine se convirtió pronto en un espectáculo de feria, barato y popular, despreciado por los intelectuales, muy alejado de la categoría de Arte bajo la que hoy se le considera. Poco a poco el cine comenzó a dejarse de ver como un espectáculo de feria y ciertos intelectuales ya lo empezaban a reivindicar como un Arte. A partir de 1910 comienzan a producirse en Europa películas de mayor duración y más calidad. En Francia se adaptaron obras de Victor Hugo o Emile Zola, mientras que en Italia se consolidaba una forma de hacer cine que influirá en todo el mundo. Mientras, en Estados Unidos empiezan a fundarse los primeros estudios cinematográficos.
La música del cine
Emprendió con la irrupción del sonoro dentro del celuloide. Cuando el cine era mudo el propio público pedía acompañamientos musicales a lo que veía, y esto fue llevabo a cabo a tráves de un pequeña banda de música que tocaba al mismo tiempo que se trasmitia la película por medios de pianos o micrófonos. Hay que reconocer que esta música no se colocaba para acompañar a la acción, sino para paliar, en la medida de lo posible, el ruido que causaban las bobinas de las cintas.
Frédéric Chopin
Poco después es cuando se plantea el escoger los temas musicales en función de lo que se está viendo en la pantalla. Así se empezará a utilizar la música de los grandes clásicos como Chopin y Beethoven, aunque aún no se creara música especifica para el cine.
Hola, soy Vanessa y espero que este blog sea el agrado de todos, me encargare especialmente de presentarles las bandas sonoras que han ganado Oscar y las mas destacadas por año. Cualquier sugerencia es aceptada en mi correo lothlorien_varda@hotmail.es. Un saludo y espero ser de gran ayuda.
Alfred Newman
