Ya en los primeros años del cine comenzaron a patentarse sistemas que sincronizaban la acción de la pantalla con el sonido grabado en discos. Estas pruebas se siguieron realizando a lo largo de todo el período mudo, pero la cinta que está considerada como la primera película sonora de la Historia es "El cantor de jazz", estrenada el 6 de octubre de 1927 y dirigida por Alan Crosland.
A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Conatenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos. el protagonista, Al Jolson miraba a la cámara y pronunciaba la primera linea de díalogo de la Historia del Cine: " ¡ Esperen un minuto: aún no han oído nada!". Despúes de esa frase nada fue igual y el cine comenzó a ser algo del pasado. Despúes de este éxito sin precedentes de la Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. Ficha tecnica
En los años 30 cuando ya ha comenzado el cine sonoro se comienza con una mayor profesionalización de la música del cine. Aqui destaca la película King kong- 1933 cuando Max Steiner demostró lo que se podía llegar hacer con una partidura original sincronizada con las imagenes.
Ficha Tecnica: Director: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack Producción: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack Guión: Merian C. Cooper, James Ashmore Creelman, Ruth Rose y Edgar Wallace. Música: Max Steiner. Fotografia: Edward Linden, J.O Taylor y Vernon L. Walker. Reparto: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher, Sam Hardy, Noble Johnson, Steve Clemente y James Flavin.
Sinopsis: Trata sobre el hallazgo de King Kong, un simio gigante en una isla prehistórica perdida y sobre cómo fue capturado y llevado a la civilización contra su voluntad.
Datos: En 1932, un año antes del estreno de la película, Delos W. Lovelace publicó una novelización del guión de king kong con algunas escenas que no están presentes en la película. Kin Kong fue estrenada por primera vez en Nueva York el 2 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall.
Durante este periodo existieron bandas sonoras que marcaron un precedente en la historia del Cine y un hito importante y reconocible.
El Nacimiento de una Nación
Como ya he mencionado en 1914 en adelante se hacen peliculas con un fondo musical exclusivamente creado para la plícula marcando un gran paso para la creación de las bandas sonoras como es el caso de El Nacimiento de una Nación ( The Birth of a Nation - 1915) como compositor a J.K Briel.
El Nacimiento de una Nación no es una propuesta convencional de cine mudo con acompañamiento musical, sino un conjunto audiovisual que funde música tocada en directo, bases rítmicas, loops, sintetizadores y fragmentos de discos antiguos, con la impactante película de Griffith la cual, en el año 1915, definió casi en solitarios el futuro lenguaje cinematográfico. Se presenta una reconstrucción del viejo sur americano, acompañada por un quinteto tocando en directo y complementada por un collage de elementos pregrabados que traza, a su vez la historia de la música tradicional norteamericana, creando una provocativa dialéctica entre ambos. Toda la música que acompañará a la película es original de DAN KAPLAN.
Ficha Tecnica:
Dirección: D.W Griffith Producción: D.W Griffith Guión: Thomas F. Dixon Jr. Música: Joseph karl Breil, D.W Griffith Fotografia: G.W Bitzer. Reparto Lillian Gish, Mae Marsh, Henry B. Walthall, Miriam Cooper, Mary Alden, Ralph Lewis, George Siegmann, Walter Long, Robert Harron, Wallace Reid y Joseph Henabery.
En el caso de Estados Unidos, desde el principio el cine se entendió como un espectáculo dirigido a un extenso sector de población, como una industria que podía aportar grandes beneficios económicos. Por tanto, hacer la película atractiva al público era fundamental. En Estados Unidos interesaba era que la cinta, de factura impecable, contara una historia creíble, atractiva y entretenida para el público. Esto comenzó a interesar a las productoras, que rápidamente se pusieron manos a la obra con sus inversiones.
En los primeros años el centro de producción de películas se instaló en la costa Este, en torno a Nueva York. Pero el clima de aquella zona, lluvioso y con largos inviernos hacía perder muchas horas de rodaje de exteriores, por lo que los cineastas se trasladaron al otro extremo del país, a Hollywood.
La historia de la meca del cine parte de 1903, cuanto una pareja tejana se establecieron en la periferia de los Ángeles, en un terreno plagado de acebos. De ahí vendría el nombre, que significa “bosque de acebos”. Cuatro meses después llegaron los primeros cineastas procedentes de Chicago y en 1906 ya estaban allí los grandes del cine. Durante las tres primeras décadas del cine, hasta los años 30, se comenzaron a forjar aspectos que configurarían la personalidad del cine Hollywoodiense. El star system o el cine de géneros respondía a lo que el público reclamaba, historias fácilmente reconocibles, atractivas y con el magnetismo que aportaban las glamorosas estrellas cinematográficas. El cine de los estudios tenía en el star system uno de sus pilares fundamentales: era necesario crear estrellas para atraer al público a las salas. Y la creación de estrellas se apoyaba en una importante campaña publicitaria a través de diferentes vehículos de comunicación: revistas, club de fans, etc
Además, en el cine norteamericano de los años treinta se empezaron a forjar diferentes géneros: el musical, el cine negro, el cine de aventuras, el cine de terror, etc. Los géneros constituían entidades perfectamente definidas por la industria y reconocidas por el público masivo. En este sistema ideal cada película era producida según un patrón genérico reconocible, mostraba explícitamente las estructuras básicas comúnmente identificadas con el género. En consonancia con la simplicidad de planteamientos que demandaba el público norteamericano, se pretendía que reconociera cada película como perteneciente a un género determinado y la interpretara adecuadamente.
El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La primera película que se considera sonora es El Cantor de Jazz, de Alan Crossland. Warner Bros hizo esta película cuando estaba casi en la ruina, en un desesperado intento de salir a flote, y gracias al éxito del filme logró resurgir e impuso el sonido al resto de las productoras. Aunque en un principio parecía que la incorporación del sonido restaba expresividad a los planos, pronto se supo aprovechar la capacidad comunicativa que aportaban los diálogos. Los espectadores podían entender mejor las historias y muchos intelectuales vieron la posibilidad de escribir guiones interesantes.
A efectos del cine como sistema global, la incorporación del sonido trajo cambios en la industria. Ya no bastaba con ser fotogénico, sino que la voz tenía que cumplir unas expectativas. En el cine norteamericano muchos actores de origen extranjero vieron reducidas sus posibilidades de triunfar en Hollywood, pues su acento no se ajustaba a las exigencias de los personajes, por lo que se vieron relegados a interpretar papeles muy concretos.
Los estudios, que por entonces aglutinaban en sí mismos todas las actividades cinematográficas de forma vertical (producción, distribución y exhibición), se vieron obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva tecnología del registro del sonido. Las cámaras de cine, para asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de imagen, pasaron a rodar a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la reforma de las salas de exhibición. La aparición del sonoro también supuso la necesidad de cambiar la estructura financiera de Hollywood. Con la aparición del sonoro el control de la industria se pierde definitivamente para las empresas puramente cinematográficas, y se concentra en manos de la gran banca y de la industria electrónica. La llegada del sonido también potenció la importancia de los guionistas en la industria del cine, quienes hasta entonces no habían tenido demasiada importancia. Así llegaron a Hollywood muchos periodistas, escritores y dramaturgos (los hermanos Mankiewicz, Charles McArthur, Ben Hecht, etc) de la Costa Este de los EE.UU. y también de Europa, atraídos por la enorme oferta de trabajo que representaba escribir para la industria cinematográfica.
La llegada del sonoro supuso el despegue definitivo de la industria de Hollywood como hegemón mundial en el ámbito de la cinematografía. A partir de este momento se convertiría en la referencia para todos los profesionales del cine. Actores, directores o productores iniciados en sus países de origen respectivos en el mundo del celuloide tendrían como destino la industria de Hollywwod, bien por medrar en sus carreras profesionales, bien porque las circunstancias sociopolíticas de Europa les obligaba a ello (la Segunda Guerra Mundial fue causa de una gran diáspora de personalidades del cine).
En 1940 gano la pelicula Tin Pan Alley con Alferd Newman, Artie Shaw con ¡Al fin solos!, Victor Young con Adelante - mi amor, Georgie Stoll y Roger Edens con Armonías de juventud, Erich Wolfgang Korngold con El halcón del mar, Anthony Collins con Irene, Charles Previn con Princesita, Aaron Copland con Our Town y Cy Feuer con Hit Parade of 1941.
Director: Walter Lang Intérpretes: Alice Faye, Betty Grable, Jack Oakie, John Payne, Allen Jenkins, Esther Ralston Título en VO: Tin Pan Alley País: USA Año: 1940. Duración: 90 min. Clasificación: Todo público Género: Musical Color o en B/N: Blanco y Negro Guión: Robert Ellis, Helen Logan Fotografía: Leon Shamroy Música: Alfred Newman
La ganadora del Oscar en 1939 fue la pelìcula La Diligencia (como compositores Richard Hageman, Frank Harlin, Jhon Leipold y Leo Shuken) sus contricantes fueron Alfred Newman con Esmeralda -la zíngara, Roger Edens y George E. Stoll con Hijos de la farándula, Lou Forbes con Intermezzo, Dimitri Tiomkin con Mr. Smith Goes to Washington, entre otros.
Título Original: Stagecoach Director: John Ford Guión: Dudley Nichols / Ben Hecht / Ernest Haycox (Historia) Música: Gerard Carbonara, Louis Gruenberg, Richard Hageman, W. Franke Harling, John Leipold, Leo Shuken Fotografia: Bert Glennon Intérpretes: Claire Trevor (Dallas) John Wayne (Ringo Kid) Andy Devine (Buck) John Carradine (Hatfield) Thomas Mitchell (Doc Boone) Louise Platt (Lucy Mallory) George Bancroft (Curley)
Sinopsis:En la diligencia que cubre el trayecto entre las ciudades de Tonto y Lordsburg viajan la esposa embarazada de un oficial del Ejército, un médico borracho, un empedernido jugador, un comerciante de licores y una joven que ha sido expulsada de Tonto por las damas de la ciudad. Durante el trayecto se incorporan al grupo un banquero que lleva una gran maleta y un fugitivo de la justicia llamado Ringo Kid. Después de siete horas los viajeros ya se conocen y surge una especial simpatía entre Ringo y Dallas, la muchacha expulsada de Tonto. Cuando llegan al puesto de Apache Wells, el encargado, Chris, les dice que el indio Jerónimo merodea por los alrededores. Al mismo tiempo Lucy comienza a sentir los primeros síntomas del parto.
Crítica:Esta película es una película de personajes, todos bastante bien dibujados, donde se nos enseña que las cosas no son como parecen. Ese banquero respetable que al final resulta que no merecía serlo, ese caballero que resulta ser hipócrita comportándose como caballero en algunas situaciones y en otras no, ese médico borracho que a pesar del problema con la bebida resulta ser buena persona y ayuda cuando se le necesita, y ese presidiario y esa prostituta que deberían ser lo más bajo de la sociedad resultan mejores que cualquier personaje de la película. El film está lleno de pequeños detalles que reflejan la condición humana de manera muy natural y que enriquecen mucho la película: la venganza, las diferencias de clases sociales, el interés, el no saber decir que no, la cobardía... En las interpretaciones destaca el tema de las miradas, perfectamente comprensible ya que John Ford había dirigido muchos westerns mudos y, claro, en ese tipo de cine lo importante no es como se habla, sino la expresividad de los rostros y las miradas, lo que hereda esta película. Es una película bastante rica y compleja, aunque el defecto que tiene es que no te termina de llegar, no hace que te metas de lleno en la historia, despierta el interés pero no termina de llegar al espectador, o al menos en mi perspectiva, de todos modos es una muy buena película, un gran clásico del western y del cine en general.
En 1938 gana como mejor Banda Sonora la pelicula Alexander's Ragtime Band (compositor Alfred Newman) compitiendo con peliculas como: Franz Waxman con Los alegres vividores, Victor Baravalle con Carefree, Alfred Newman con Así nace una fantasía, Herbert Stothart con Enamorados, Morris Stoloff y Gregory Stone con Girls School, Max Steiner con Jezabel, Charles Previn y Frank Skinner con Mad About Music, Marvin Hatley con Se ha perdido una millonaria, Cy Feuer con Storm over bengal y Boris Morris con Tropic Holidays.
Ficha tecnica Dirigida por: Henry King Producido por: Darryl F. Zanuck Escrito por: Irving Berlin yRichard Sherman Reparto: Tyrone Power, Alice Faye,Don Ameche y Ethel Merman Música por: Irving Berlin Y Alfred Newman Cinematografía J. Peverell Marley Datos: Barbara McLean Distribuido por 20th Century Fox Fecha de salida: 16 de agosto 1938 (08/16/1938) Duración: 106 minutos País: Estados Unidos Idioma:Inglés
Sinopsis: Cuenta la historia de un niño de la sociedad que escandaliza a su familia por seguir una carrera en el ragtime.
Las cadenas de historia juntos 28 Irving Berlin canciones junto con antiguas canciones que se combinaron con otros nuevos escritos especialmente para la pelicula.
Alfred Newman
